Manoel de Oliveira

Modernidad a destiempo
Carlos Losilla (Cahiers du Cinema, España, número 18, diciembre 2008)

Raymond Bellour, veterano estudioso del cine, reprochó hace unos años a ciertos sectores de las nuevas generaciones de críticos y teóricos su desinterés por el cineasta Manoel de Oliveira: "Ustedes hablan poco de él", les espetó. Y luego añadió que ello quizá se debiera a que se trata de "un hombre profundamente civilizado, en extremo consciente y horrorizado de que su civilización se extinga", una postura rechazada por la generación del digital y de Internet, altamente esperanzada con las infinitas posibilidades del cine futuro y, por lo tanto, de algún modo en paz con los nuevos tiempos. Oliveira, decía Bellour, "muestra en todas sus películas un sentido profundo de la cultura y del arte, y del lugar que ellos ocupan en la vida y en la memoria colectiva".




Pero ¿a qué cultura y a qué arte se refería el texto de Bellour? ¿Qué tiene de singular este cineasta, aparte de su inverosímil longevidad laboral, como para erigirse en el centro de un debate de estas características?

Sin duda, su condición de artista a destiempo. O dicho de otro modo, quizá mucho más tajante: las películas de Oliveira son las más reconocibles, por extemporáneas, del cine que más nos ha importado en mayor medida en los últimos veinte años. Me dirán que podría argumentarse lo mismo respecto a Jean-Marie Straub (con o sin Danièlle Huillet), pero su materialismo extremo, su primitivismo convencido, el modo abrupto y directo con que filma cuerpos y paisajes, lo hace más próximo a una cierta sensibilidad contemporánea, en comparación con la exquisitez humanista de Oliveira. Y digo "humanista" de una manera muy consciente, convencido de que ese término se refiere a lo que los historiadores llaman la "era moderna", ésa que empieza en el Renacimiento, cuando nombres como Miguel Ángel o Leonardo dan lugar a la aparición de la figura del artista tal como la hemos conocido hasta hace poco.¿Qué tienen que ver, en otras palabras, los broncos poemas minerales de los Straub frente a la exquisita recreación de las cartas del padre Antonio Vieira realizada en Palabra y utopia (2000)? Y, sobre todo, ¿qué tiene que ver Oliveira con todos aquellos que están examinando ese fin de época desde el ojo del huracán, asumiendo las formas de la contemporaneidad, de Claire Denis a Tsai Ming-liang?

El plan de Oliveira es hablar del mundo contemporáneo observado desde la perspectiva de alguien que ya no pertenece a él. No es casual, a este respecto, que el grueso de su producción se desarrolle a partir de la década de los ochenta, concretamente desde Francisca, estrenada en 1981, cuando el cineasta ya ha sobrepasado los setenta años. Su debut con el corto Douro, Faina Fluvial en 1931, su retorno con Aniki-Bóbó en 1942, algunos de sus preciosos documentales de los años cincuenta y su fugaz tránsito por los sesenta y setenta con cuatro largometrajes, ya le asegurarían un lugar privilegiado en la historia del cine, aunque el recuento final no llegue a las veinte películas en casi cincuenta años, y ello contando largos y cortos, ficciones y documentales, encargos comerciales y experimentos varios. Pero es una vez finiquitado el proyecto de la modernidad cinematográfica, a principios de los ochenta, cuando Oliveira se empeña en continuarlo por su cuenta y riesgo, a un ritmo de una película comercial por año. Y no a través de pactos más o menos tácitos, sino mediante una apuesta a calzón quitado, pues a partir de ese momento su práctica se aleja voluntariamente de la cinefilia más estricta para ofrecer otra cosa, para conectar directamente con los orígenes de su bagaje artístico, con la tradición que empieza en Cristóbal Colón (recreada en Cristóvão Colombo-0 Enigma, 2007) y termina con el fin de la hegemonía de Occidente en el orden mundial (el tema de Una película hablada, 2003), pasando por la literatura y la pintura burguesas que constituyeron el gran sueño de finales del siglo XIX y principios del XX. De una manera caótica, a trompicones, como si tuviera prisa por terminar su labor, desde 1981 hasta la actualidad Oliveira parece obcecado en fabricar un gigantesco monumento al fin de una época, por ahora sólo comparable, en alcance testimonial pero también estético, a la obra de John Ford.

En su caso, pues, el fin de la modernidad es el fin del humanismo. Y de ahí su ansiedad por prolongar la melancolía, por esquivar la redención de los nuevos tiempos, que se niega a aceptar. Cineasta de raíces religiosas, afecto a las grandes conmemoraciones rituales, sus películas se erigen en una especie de enciclopedia en imágenes de lo que fue el arte de la civilización occidental, del teatro barroco a la música dodecafónica, de
la literatura neoclásica a las narrativas del absurdo, de la escultura renacentista a la abstracción pictórica. Y esa summa casi teológica adquiere la forma de un fantasma, el del cine moderno, de donde surge la apariencia sonámbula de unas imágenes tan alejadas de cualquier tipo de realismo que en ocasiones resultan incluso insoportables, producto de una ensoñación malsana.

En Os canibais (1988) o El convento (1995), todo se desarrolla en un clima pesadillesco que permanece en la retina del espectador mucho tiempo después de haber abandonado la sala. En Non ou A Vã Glória de Mandar (1990), la Historia es un relato legendario hecho de alucinaciones cíclicas que no dejan de atormentarnos. En El valle Abraham (1993), la gran novela decimonónica no es más que la excusa para un baile de máscaras, en el que el espíritu lucha por imponerse a una sensualidad tan atractiva como amenazadora. En Inquietud (1998), el sonido de los pasos de los actores en un escenario teatral deja constancia de la fugacidad en la que todo se ha desvanecido. Oliveira es el cronista de esas ruinas, de la civilización y del cine, que ha pretendido inmortalizar en
una agotadora serie de películas realizadas sin descanso. Como un libro de ilustraciones antiguas, esa parte de su obra deja constancia de lo que una vez fuimos, y sus planos pueden verse uno tras otro como si se tratara de pasar las páginas de un álbum de fotos familiares, allá donde aseguramos nuestra pequeña porción de inmortalidad. De ahí su aire espectral e inquietante, pero también su verdad, paradójicamente conseguida a través del artificio más extremo.

Existe en la filmografía de Oliveira un bucle temporal que retrocede hasta los inicios del humanismo para retratar con ojo implacable la muerte del cine moderno. Por eso el hecho de que sus últimos trabajos no hayan merecido la misma atención, por parte de la crítica y de los festivales, que los ejecutados hasta Una película hablada hace sospechar que las imágenes contemporáneas, definitivamente, han decidido prescindir de su forma de entender el cine. Como la de John Ford o Luis Buñuel, a los que admira hondamente, su obra representa un legado gigantesco, abarca el mundo que ha conocido en todos sus detalles y matices, dibuja una topografía absoluta y minuciosa de lo que fue Occidente durante mucho tiempo. Ahora, en cambio, el cine es otra cosa, frecuenta los microcosmos en los que se ha fragmentado la sociedad globalizada para erigirlos en representación de un universo en cambio perpetuo. Está por ver si lo conseguirá con la misma nitidez, pero lo que importa es que mantenga esa admirable intransigencia presente en las mejores películas de Oliveira, esa reivindicación del cine como ejercicio puramente intelectual en el que cualquier goce proviene del hecho de pensar en imágenes que, además, saben hablar.

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Quentin Tarantino

Nació en 1963 en Knoxville, Tennessee. El nombre de Tarantino hace referencia a un personaje de una serie de televisión, al herrero mestizo Quint interpretado por Burt Reynolds en Gunsmoke. Cuando tenía dos años, la madre soltera del realizador se trasladó con él a South Bay, al sur de Los Ángeles, su hogar durante las siguientes dos décadas.Su barrio en la ciudad de Torrance era una mezcla de blancos y negros por lo que estuvo expuesto a una gran variedad de influencias cinematográficas y de culturas populares. Por ejemplo, las películas de artes marciales, que se seguían poniendo en los barrios negros después de que la fiebre del kung fu se trasladara a otros sitios. Tarantino se las apañó para seguir viéndolas hasta bien entrados los años 70.Tarantino abandonó los estudios a los 17 años para


dar clases de interpretación y mantenerse con trabajos esporádicos. A los 22 años encontró una especie de segundo hogar en Video Archives, en Manhattan Beach, donde sus grandes conocimientos en películas antiguas le fueron muy útiles. Junto a Roger Avery y Jerry Martínez, Tarantino convirtió Video Archives en una improvisada escuela de cine. Empezó a escribir para poder ofrecer escenas prácticas en sus clases de interpretación.Tras un tiempo trabajando con Avery y otros amigos, Tarantino pasó varios frustrantes años escribiendo e intentando poner en marcha dos guiones que pretendían ser su debut como director. En parte como consecuencia de su frustración por la dificultad de poder hacer una "película de verdad" con un escritor desconocido como director, Tarantino escribió en 1991 "Reservoir Dogs", con la intención de que fuera el proyecto más minimalista que se pueda imaginar: la historia de un atraco a mano armada en la que el robo tiene lugar fuera de la pantalla, páginas y páginas de diálogo que necesitan un sólo plató. Pretendía ser una película de 16mm extremadamente barata con Tarantino y sus amigotes de Video Archives interpretando todos los papeles. Afortunadamente, un ambicioso productor, Lawrence Bender leyó el guión de "Dogs" y le fascinó. Le pidió a Tarantino que le concediera un mes para intentar hacer de ella una "película de verdad". Fue Bender quien hizo llegar el guión al actor Harvey Keitel, y fue el entusiasmo de Keitel lo que atrajo a varios buenos actores y, finalmente, un presupuesto decente para la producción. Rodada en menos de un mes en Los Ángeles, con un reparto excepcional que incluía a Michael Madsen, Steve Buscemi, Tim Roth, Lawrence Tierney, Chris Penn y el propio Tarantino, además de Keitel, Dogs fue todo un éxito, primero en el Festival de Cine de Sundance y después en todo el mundo. Y de repente, Tarantino estaba de moda y los dos guiones en los que había estado trabajando antes de "Reservoir Dogs" se vendieron enseguida: fueron "True Romance" (Amor a quemarropa) (1992, dirigida por Tony Scott) y "Natural Born Killers" (Asesinos natos) (1993, reescrita y dirigida por Oliver Stone). En 1994 llegó "Pulp Fiction", un collage de ficción interpretada por John Travolta y Uma Thurman.Tras tres años de descanso, Tarantino escribió y dirigió «Jackie Brown» en 1997, un embrollo policíaco inspirado en la novela de Elmore Leonard, Rum Punch. Pam Grier logró estar nominada tanto a los Globos de Oro como a los premios SAG por su actuación en el papel principal, y el coprotagonista, Robert Foster, fue nominado al Premio de la Academia en la categoría de Mejor Actor Secundario. Completaban este reparto único Samuel L. Jackson (nominado también para un Globo de Oro), Robert De Niro, Bridget Fonda y Michael Keaton. El primer objetivo profesional de Tarantino era ser actor y ha seguido interpretando papeles en sus propias películas como en las de otros, como en Jackie Brown, Reservoir Dogs, Pulp Fiction, The Man From Hollywood, Four Rooms, Abierto hasta el amanecer, Destiny Turns on the Radio y Girl 6 de Spike Lee.Durante los cuatro años que pasaron entre el estreno de Jackie Brown y la producción de «Kill Bill», Tarantino trabajó duro en el guión de una película bélica, «Inglorious Bestards». (Sacada de http://www.hoycinema.com)

FILOMOGRFÌA

My best friend`s birthday(1987)
Craig Hamann, Quentin Tarantino, Crystal Shaw, Allen Garfield, Al Harrell, Brenda Hillhouse, Linda Kaye, Stevo Polyi, Alan Sanborn, Rich Turner, Rowland Wafford.

Guión: Quentin Tarantino y Craig Hamann

Es el cumpleaños de Mickey y su novia le ha dejado, así que su amigo Clarence decide organizarle una fiesta de cumpleaños que nunca olvidará... Primera película del realizador Quentin Tarantino. Su duración inicial eran 69 minutos, pero hubo un incendio en donde se guardaba y sólo pudieron recuperarse 35 minutos de metraje. Al estar incompleta, es Reservoir Dogs (1992) la cinta que está considerada su debut. A posteriori, el guión de esta película fue la base para el de la cinta "Amor a quemarropa", que acabaría dirigiendo Tony Scott.


Reservoir dogs(1992)
Harvey Keitel, Tim Roth, Michael Madsen, Chris Penn, Steve Buscemi, Lawrence Tierney, Randy Brooks, Kirk Baltz, Edward Bunker, Quentin Tarantino, Steven Wright, Rich Turner, David Steen, Tony Cosmo, Stevo Polyi.

Guión: Quentin Tarantino y Roger Avary.
Una banda organizada formada por seis individuos, algunos desconocidos entre sí y con nombres supuestos, atracan una empresa para llevarse unos diamantes. Pero, antes de que suene la alarma, la policía ya está allí. Algunos mueren en el atraco y el resto se reúne en el lugar convenido.


Pulp fiction (1994)
John Travolta, Samuel L. Jackson, Tim Roth, Amanda Plummer, Eric Stoltz, Bruce Willis, Ving Rhames, Phil LaMarr, Maria de Medeiros, Rosanna Arquette, Peter Greene, Uma Thurman, Duane Whitaker, Paul Calderon, Frank Whaley.

Guión: Quentin Tarantino y Roger Avary.
Jules y Vincent son dos asesinos a sueldo que trabajan para Marsellus Wallace. Antes de realizar uno de sus "trabajos", Vincent le confiesa a Jules que Marsellus le ha pedido que cuide de su novia, Mia. Comienzan a hablar sobre lo peligroso de sobrepasarse con la novia del jefe, pero llega la hora de trabajar y ambos deben ponerse en faena. Su misión: recuperar un misterioso maletín.


Motherhood (ER temporada 1 episodio 25. 1995)
Anthony Edwards, George Clooney, Sherry Stringfield, Noah Wyle, Julianna Margulies, Eriq La Salle, Abraham Benrubi, Julie Carmen, .....

Guión: Michael Crichton y Lydia Woodward.
En un fatídico Día de la Madre, varios miembros de Urgencias(ER) encaran cambios en sus vidas. Chloe, la hermana de Susan Lewis dá a luz una preciosa niña. Aunque las cosas empiezan a ir mal con su madre, Cookie, quien decide acoger a Chloe y a la niña, pero de repente decide que ya ha hecho suficiente y Susan se tiene que hacer cargo de ellas. Carter rechaza una oferta para una interinidad en Urgencias ya que espera que le ofrezcan una plaza en cirugía. Aunque el doctor Hicks tiene novedades para él. La madre de Benton empeora. Carol Hathaway está saturada a medida que el día de la boda se acerca.


Four romos (segmento ¨The man from hollywood¨. 1995)
Tim Roth, Madonna, Bruce Willis, Antonio Banderas, Valeria Golino, Jennifer Beals, Quentin Tarantino, Marisa Tomei, Lili Taylor, Paul Calderon, Sammi Davis, David Proval, Tamlyn Tomita, Ione Skye.

Dirección y Guión: Quentin Tarantino, Allison Anders, Alexandre Rockwell, Robert Rodríguez.

Cuatro directores con fama de gamberros se juntan para hacer una película. Así, las andanzas de un botones de un hotel en su primer día de trabajo y sus desventuras para con los huéspedes es la excusa para una, a ratos divertida, comedia cosida a gags.


Jackie Brown (1997)
Pam Grier, Samuel L. Jackson, Robert Forster, Bridget Fonda, Michael Keaton, Robert De Niro, Michael Bowen, Chris Tucker, Lisa Gay Hamilton, Tommy 'Tiny' Lister, Hattie Winston, Sid Haig, Aimee Graham, Ellis Williams, Tangie Ambrose.

Guión: Quentin Tarantino.
basado en una novela de Elmore Leonard.Jackie Brown (Pam Grier) es una azafata de vuelo que, necesitada de dinero, hace de correo para Robbie, un mafioso buscado por la policía. Todo parece ir bien, hasta que un día es sorprendida en la aduana y acusada de tráfico de drogas y evasión. Para evitar ingresar en prisión, la policía sólo deja a Jackie una salida: ayudarles a llegar hasta Robbie.


Kill Bill vol.1 (2003)
Uma Thurman, Lucy Liu, Vivica A. Fox, Daryl Hannah, David Carradine, Michael Madsen, Julie Dreyfus, Chiaki Kuriyama, Sonny Chiba, Chia Hui Liu, Michael Parks, Michael Bowen, Jun Kunimura, Kenji Ohba, Yuki Kazamatsuri.

Guión: Quentin Tarantino.
Bill (David Carradine) dirige un grupo de asesinas siniestras llamadas Deadly Viper Assassination Squad (o DiVAS); todas ellas tienen un nombre clave de alguna serpiente venosa y la más letal de todas es Black Mamba (Uma Thurman) quien también es la novia formal de Bill. Black Mamba es traicionada por los demás, que la dan por muerta con un balazo en la cabeza.


Kill Bill vol.2 (2004)
Uma Thurman, David Carradine, Lucy Liu, Vivica A. Fox, Chia Hui Liu, Michael Madsen, Daryl Hannah, Michael Parks, Bo Svenson, Jeannie Epper, Stephanie L. Moore, Shana Stein, Caitlin Keats, Christopher Allen Nelson, Samuel L. Jackson.

Guión: Quentin Tarantino.Dirigida por Quentin Tarantino.
Kill Bil Vol. 2 es la segunda parte de la taquillera película interpretada por Uma Thurman en el papel de La Novia. Después de eliminar a sus antiguos colegas O-Ren Ishii y Vernita Green en KILL BILL VOL. 1, la Novia (Uma Thurman) pone punto final a su sed de justicia en la segunda entrega de la serie, Kill Bill Vol. 2. La Novia ya ha eliminado a dos de sus enemigos, pero aún le quedan otros dos en su Lista Negra: Budd (Michael Madsen) y Elle Driver (Daryl Hannah) antes de centrarse en su último objetivo... matar a Bill (David Carradine). Originalmente iba a ser todo parte de una misma película de tres horas de duración, pero decidieron que sería mejor dividirlo en dos filmes.


Sin City (director invitado. 2005)
Bruce Willis, Mickey Rourke, Clive Owen, Rosario Dawson, Elijah Wood, Jessica Alba, Benicio Del Toro, Alexis Bledel, Michael Clarke Duncan, Carla Gugino, Josh Hartnett, Michael Madsen, Jaime King, Brittany Murphy, Nick Stahl, Rutger Hauer, Devon Aoki, Jude Ciccolella, Jason Douglas, Tommy Flanagan, Rick Gomez, Nicky Katt, Nick Offerman, Lisa Marie Newmyer, Powers Boothe, Arie Verveen, Jesse De Luna, Randal Reeder, Charissa Allen, Penny Drake, Frank Miller.

Dirección: Robert Rodríguez, Quentin Tarantino, Frank Miller.
Guión: Robert Rodríguez, Frank Miller.
Bienvenidos a Sin City, ciudad de policías corruptos, atractivas damas y vigilantes desesperados. Algunos están buscando venganza, algunos redención, y otros, ambas cosas. Un universo de héroes inverosímiles que intentan hacer lo correcto. Sin City es una ciudad que vive entre la luz y la oscuridad, llena de personajes singulares. Está por ejemplo Marv (Mickey Rourke), un superviviente que busca vengar la muerte de su único amor. También está Dwight (Clive Owen), un investigador privado que intenta dejar sus problemas atrás. Después de que un policía sea asesinado, Dwight no parará ante nada para proteger a sus amigos. Finalmente, está la historia de Hartigan (Bruce Willis), el último policía honesto de Sin City, que va tras la pista de una joven en manos del sádico hijo de un senador... con resultados inesperados.


Grave danger (CSI temporada 05 episodios 24, 25. 2005)
William Petersen, Marg Helgenberger, Gary Dourdan, George Eads, Jorja Fox, Eric Szmanda, Robert David Hall, Paul Guilfoyle, Scott Wilson, Tony Curtis, Frank Gorshin, Andrew Prine, Archie Kao,...

Guión: Naren Shankar, Anthony E. Zuiker, Carol Mendelsohn (Historia: Quentin Tarantino)
Investigando una escena de un crimen, Nick (George Eads) es secuestrado. Grissom (William Petersen) y su equipo no tardan en ser contactados por el secuestrador, que muestra por webcam cómo lo ha enterrado vivo. El equipo de CSI tendrá que trabajar a contrareloj para encontrarlo y liberarlo antes de que se le acabe el oxígeno o la paciencia... El famoso realizador Quentin Tarantino (fan de la serie CSI) fue el encargado de cerrar la quinta temporada de CSI: Las Vegas con los capítulos 24 y 25, una historia dividida en dos trozos que ha sido considerada como uno de los mejores episodios de la serie creada por Anthony E. Zuiker, estando incluso comercializados por separado en DVD.


GrindHouse (2007)
Danny Trejo, Cheech Marin, Rose McGowan, Freddy Rodríguez, Josh Brolin, Marley Shelton, Jeff Fahey, Michael Biehn, Rebel Rodriguez, Naveen Andrews, Bruce Willis, Julio Oscar Mechoso, Stacy Ferguson, Nicky Katt, Hung Nguyen.

Dirección: Robert Rodriguez, Eli Roth, Quentin Tarantino, Edgar Wright, Rob Zombie.
Grindhouse es una película de terror dividida en 2 partes, una dirigida por Tarantino y la otra por Robert Rodríguez, siendo cada una de ellas de algo más de una hora de duración. A su vez ambas están separadas por falsos trailers de películas de terror, creados por los conocidos directores del género Eli Roth, Rob Zombie, Edgar Wright.

Grindhouse es el nombre de las salas donde, en los años setenta, se proyectaban las clásicas "exploitation", películas de bajísimo presupuesto en las que el terror, la violencia y el sexo campaban a sus anchas. Tarantino y Rodríguez quieren hacer aquí un homenaje a este tipo de cine y a las salas donde se proyectaba.


Death Proof (2007)
Kurt Russell, Zoe Bell, Rosario Dawson, Vanessa Ferlito, Sydney Tamiia Poitier, Tracie Thoms, Rose McGowan, Jordan Ladd, Mary Elizabeth Winstead, Quentin Tarantino, Marcy Harriell, Eli Roth, Omar Doom, Michael Bacall, Monica Staggs.

Dirección y Guión: Quentin Tarantino."Death Proof", dirigida por Tarantino, gira en torno a un psicópata de la carretera (Kurt Russell), un asesino en serie que va aniquilando a sus víctimas con su coche.


Inglourious Basterds (2009)
Brad Pitt, Mélanie Laurent, Christoph Waltz, Eli Roth, Michael Fassbender, Diane Kruger, Daniel Brühl, Til Schweiger, Gedeon Burkhard, Jacky Ido, B.J. Novak, Omar Doom, August Diehl, Denis Menochet, Sylvester Groth.

Guión: Quentin Tarantino.

Segunda Guerra Mundial. Durante la ocupación alemana de Francia, Shosanna Dreyfus (Mélanie Laurent) presencia la ejecución de su familia a manos del coronel nazi Hans Landa (Christoph Waltz). Shosanna consigue escapar y huye a París, donde se forja una nueva identidad como dueña y directora de un cine. En otro lugar de Europa, el teniente Aldo Raine (Brad Pitt) organiza un grupo de soldados judíos para tomar represalias contra objetivos concretos. Conocidos por el enemigo como “The Basterds” (Los cabrones), los hombres de Raine se unen a la actriz alemana Bridget Von Hammersmark (Diane Kruger), una agente secreto que trabaja para los aliados, con el fin de llevar a cabo una misión que hará caer a los líderes del Tercer Reich. El destino quiere que todos se encuentren bajo la marquesina de un cine donde Shosanna espera para vengarse...


GUIONES

True Romance (1993)
dir.Tony Scott
Christian Slater, Patricia Arquette, Dennis Hopper, Val Kilmer, Gary Oldman, Brad Pitt, Christopher Walken, Bronson Pinchot, Samuel L. Jackson, Michael Rapaport, Saul Rubinek, Conchata Ferrell, James Gandolfini, Anna Levine, Frank Adonis.

Guión: Quentin Tarantino.
El joven y solitario Clarence (Christian Slater) está celebrando su cumpleaños como siempre lo hace, viendo películas de kung-fu en un destartalado cine de Detroit, cuando una rubia explosiva, Alabama (Patricia Arquette), hace su entrada en la sala derramando sus palomitas sobre él. De este incidente surgirá una loca aventura de amor que llevará a los dos jóvenes a vivir una verdadera noche de pasión. Alabama es, en realidad, una prostituta alquilada por el mejor amigo de Clarence como regalo de cumpleaños. Los dos jóvenes se enamoran y contraen matrimonio. Clarence intenta alejar a su mujer de la prostitución, y se enfrenta con su chulo (Gary Oldman) al ir a recoger las pertenencias de Alabama, pero al abrir la maleta se encuentran con una considerable cantidad de cocaína... que utilizarán como esperanza para realizar todos lo sueños que han deseado.


Natural Born Killers (1994)
Dir.Oliver Stone
Woody Harrelson, Juliette Lewis, Tom Sizemore, Rodney Dangerfield, Everett Quinton, Jared Harris, Pruitt Taylor Vince, Edie McClurg, Russell Means, Lanny Flaherty, O-Lan Jones, Robert Downey Jr., Richard Lineback, Kirk Baltz, Ed White.

Guión: Está basada en un guión de Quentin Tarantino pero fue bastante modificado por Oliver Stone
Dave Veloz y Richard Rutowski.Micky y Mallory son una pareja de jovenes amantes en la que ambos sienten que han nacido para matar; son dos despiadados criminales que tienen atemorizada a la población. Un presentador de un programa sensacionalista de televisión se aprovecha de la fascinación que su personalidad ejerce sobre el público, y convierte a los asesinos en héroes televisivos.


From Dusk Till Dawn (1996)
Dir. Robert Rodriguez
Harvey Keitel, George Clooney, Quentin Tarantino, Juliette Lewis, Ernest Liu, Salma Hayek, Cheech Marin, Danny Trejo, Tom Savini, Fred Williamson, Michael Parks, Brenda Hillhouse, John Saxon, Marc Lawrence, Kelly Preston.

Guión: Quentin Tarantino basado en una historia original de Robert Rodriguez.
Dos hermanos, Seth y Richard son los criminales más peligrosos de América. Escapar no les será nada fácil y menos con el FBI y la policía de Texas pisándoles los talones. Con la familia Fuller de rehenes, quienes serán su tapadera a punta de pistola, irán directos a Méjico en caravana. Cumplido el objetivo de atravesar la frontera mejicana, pasarán la noche en la Teta Enroscada, un delicioso local... mientras nadie sangre.


Como Actor


"The Golden Girls" Sophia's Wedding: Part 1 (1988)
Dir. Terry Hughes
Su segunda experiencia como actor (despues de su primera película My Best Friend's Birthday ) es en la serie Las chicas de oro haciendo de Elvis. Lo pongo como anécdota.


Eddie Presley (1992)
dir. Jeff Burr

Duane Whitaker, Robert Lowden, Rick Askew, Enrique Angel Torres, Patric Zimmerman, Clu Gulager, Melissa Cooper, Stacie Bourgeois, Julie Rohde-Brown, Lee Zimmerman, Will Huston, Ian Ogilvy, Rusty Cundieff, Gilberto Rodriquez, Joel Weiss, Quentin Tarantino


Sleep with Me (1994)
dir. Rory Kelly
Eric Stoltz, Meg Tilly, Craig Sheffer, Lewis Arquette, Todd Field, Susan Taylor, Parker Posey, Joey Lauren Adams, Quentin Tarantino, Tegan West, Dean Cameron, Adrienne Shelly.
Tres buenos amigos ven enturbiada su relación a causa de sus sentimientos amorosos y la permanente amenaza de un agridulce triángulo amoroso. Sólo el recuerdo de su amistad y de los buenos tiempos compartidos podrá salvar las relaciones...


Somebody to Love (1994)
Dir. Alexandre Rockwell
Rosie Perez, Harvey Keitel, Anthony Quinn, Michael DeLorenzo, Steve Buscemi, Stanley Tucci, Gerardo Mejía, Steven Randazzo, Paul Herman, Samuel Fuller, Helena, Elizabeth Bracco, Angel Aviles, Lorelei Leslie,
Julie ShannonMercedes es una joven de Brooklyn que quiere ser actriz pero, para ganarse la vida, se dedica a bailar en un club nocturno de Los Angeles. Una noche conoce a un inmigrante mejicano, Ernesto, que queda prendado de ella. El joven se va a mezclar con un capo de barrio con tal de ayudar a su querida Mercedes.


Destiny Turns on the Radio (1995)
Dir. Jack Baran
Dylan McDermott, Nancy Travis, James LeGros, Quentin Tarantino, James Belushi, Janet Carroll, David Cross, Richard Edson, Bobcat Goldthwait, Barry Shabaka Henley, Lisa Jane Persky, Sarah Trigger, Tracey Walter, Allen Garfield, Ralph BrannenJohnny
Destiny es un convicto que viaja a Las Vegas para buscar a su novia, reclamar un dinero que le pertenece y empezar una nueva vida. Conduciendo por el desierto con su coche, encuentra a Julian Goddard, un tipo que intentó robar un banco. Destiny procurará llevarle por el buen camino.


Desperado (1995)
Dir. Robert Rodriguez
Antonio Banderas, Salma Hayek, Joaquim de Almeida, Cheech Marin, Steve Buscemi, Carlos Gómez, Quentin Tarantino, Tito Larriva, Angel Aviles, Danny Trejo, Abraham Verduzco, Carlos Gallardo, Albert Michel Jr., David Alvarado, Angela Lanza
El Mariachi, un misterioso guitarrista, vuelve para vengar la muerte de su amante y la mutilación de su mano. Sin embargo, cometerá un nuevo error: involucrarse con Carolina, la dueña del café-librería de un pueblucho tomado por una banda de traficantes de drogas. Ella espera que su vida cambie y al conocer al mariachi, comprende que éste va a marcar su destino. Juntos tendrán que hacer frente a la banda de Bucho, en un duelo marcado por la pólvora, la sangre y la acción.


Dance Me to the End of Love (1995)
Dir. Aaron A. Goffman
Quentin Tarantino, Sylvia Binsfeld, Nick Rafter, Laura Bradley, Marc Anthony-Reynolds
Es un videoclip del tema "Dance Me to the End of Love" de Leonard Cohen, en el que Quentin Tarantino ejerce de co-guionista y actor.

Girl 6 (1996)
Dir.Spike Lee
Theresa Randle, Isaiah Washington, Spike Lee, John Turturro, Madonna, Quentin Tarantino, Naomi Campbell, Debi Mazar, John Turturro, Ron Silver, Peter Berg, John Cameron Mitchell
Cuando una atractiva actriz descubre que el único trabajo que puede conseguir es el de sexo-telefonista decide sacar el mayor provecho de ello y pronto se convierte en la chica más popular de la ciudad.


Little Nicky (2000)
Dir. Steven Brill
Adam Sandler, Patricia Arquette, Harvey Keitel, Rhys Ifans, Rodney Dangerfield, Quentin Tarantino, Blake Clark, Rob Schneider, Dana Carvey, Reese Witherspoon, Jon Lovitz, Laura Elena HarringLittle
Nicky es el ojito derecho de papá en el Infierno. Es el hijo de Satán, que obtuvo su trabajo de su padre Lucifer. Satán quiere retirarse tras 10.000 años de duro trabajo pero ninguno de sus hijos es lo suficientemente malo para el puesto. Los dos hijos mayores, Cassius y Adrian, cansados de la tiranía de su padre, deciden marcharse a Nueva York para instaurar su propio reino infernal. El pequeño Nicky será el encargado de evitarlo adoptando la forma de un humano mortal.


Planet Terror (2007)
Dir. Robert Rodriguez
Rose McGowan, Freddy Rodríguez, Josh Brolin, Marley Shelton, Jeff Fahey, Michael Biehn, Rebel Rodriguez, Bruce Willis, Naveen Andrews, Julio Oscar Mechoso, Stacy Ferguson, Nicky Katt, Hung Nguyen, Cecilia Conti, Tommy Nix, Quentin Tarantino.


Sukiyaki Western Django (2007)
Dir. Takashi Miike
Hideaki Ito, Masanobu Ando, Koichi Sato, Kaori Momoi, Yusuke Iseya, Renji Ishibashi, Yoshino Kimura, Takaaki Ishibashi, Teruyuki Kagawa, Taigi Kobayashi, Toshiyuki Nishida, Shun Oguri, Masato Sakai, Hideaki Sato, Christian Storms, Yôji Tanaka, Quentin Tarantino
Remake de "Django", western de Sergio Corbucci. La cinta narra la Guerra Genpei, en la que los clanes rivales Minamoto y Taira se enfrentaron en el año 1.100 en Japón. Cuando la tensión llegue a un punto insostenible, un pistolero sin nombre pisará las calles polvorientas de la ciudad de Yuta...


Cine-clasico.com

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Hayao Miyazaki

Hayao Miyazaki nació el 5 de enero de 1941 en el pueblo de Akebono, del distrito Bunkyo de Tokio. Fue el segundo de cuatro hermanos. La familia Miyazaki se mudó a Utsunomiya y luego a Kanuma en 1946. Era allí mismo en Kanuma donde la empresa familiar (Miyazaki Airplane) tenía su sede. Esta empresa fabricaba los timones de cola para los famosos cazas Zero durante la Segunda Guerra Mundial.



Del 47 al 52, fue una época difícil para los Miyazaki pues la madre de Hayao enfermó, crisis que la tuvo en el hospital nueve años (entre 1947 y 1955). Algunos críticos han anotado que parte de las vivencias en estos años se ven reflejadas de manera autobiográfica en ciertas escenas de "Mi Vecino Totoro". En estos años de infancia y adolescencia Hayao Miyazaki encuentra placer en sus ratos de ocio dibujando aviones y artefactos voladores, ya fueran los que veía en la factoría de la familia, o diseños de su propia invención.

A finales de ese mismo 1963, la Toei entra en una crisis sindical, en donde Hayao (Secretario General del sindicato) lidera la protesta, siendo secundado por el joven Isao Takahata (vicepresidente del sindicato). Al mismo tiempo, empieza a salir con la animadora Akemi Ota con quien se casaría un par de años después...



Poco después de acabar sus estudios secundarios, Hayao tiene la oportunidad de ver en cine el primer largometraje animado japonés en color (Hakuja Den), y sale del teatro con la firme decisión de convertirse en animador.

Hayao entra a la Universidad Gakushuin, de donde recibe su grado en el año 1963 en Ciencia Política y Economía. Luego logra un trabajo como asistente en Toei Animation, en donde tras un breve (pero intenso) entrenamiento empieza a trabajar como in-betweener (las personas que dibujan los cuadros de animación intermedios entre los puntos de referencia que hace el animador principal). A pesar de que nunca había dibujado personas, y su experiencia en el campo del dibujo se limitaba a dibujar aviones, Hayao demuestra ser muy hábil en el diseño de personajes y en generar ideas argumentales.



En otoño de 1965, Hayao se unió a Isao Takahata, para ayudarle en la producción de “Horus, Príncipe del Sol”. Al creer que no habría mas oportunidades de participar en la producción de un largometraje (pues la animación en televisión empezaba a desplazar al cine animado), Hayao hace un pacto con Takahata (director del proyecto) para terminar Príncipe del Sol a toda costa. Tras muchas penurias tanto económicas como de producción la película finalmente se estrena en 1968. Akemi Ota trabajó como animadora principal en la película.



Los siguientes años la pareja Miyazaki trabaja en varios proyectos de largometraje, siempre con la cercanía de Isao Takahata. A principios de los 70’s, Hayao e Isao entran a trabajar en el estudio A-Pro, cuyos proyectos no tienen gran trascendencia, y se retiran juntos para entrar a Zuivo Pictures. Allí, el primer encargo que recibe Hayao es el de viajar a Suiza para crear los diseños y organizar la producción de una serie llamada “Heidi, la niña de los Alpes” (1973). Dos años después, Hayao viaja a Argentina, esta vez para preparar “Tres mil millas en busca de mamá” (mejor conocida como “Marco”). El final de esta década estuvo marcado con la dirección por parte de Miyazaki de incluso otra serie de culto: “Conan, el niño del futuro”, y la dirección (en Tokyo Movie Shinsha) de “Lupin III - el castillo de Cagliostro”.

En 1980, Hayao trabajó como instructor de nuevos animadores en Telecom, en donde su primer proyecto personal a gran escala empezó a tomar forma...



“Nausicaa del Valle del Viento” era un manga que Hayao empezó a dibujar en el año 1982, y cuya animación se inició en 1983 bajo la dirección del mismo Hayao con la producción del estudio Topcraft y la fuerte ayuda económica de la empresa de publicidad Hakuhoudo (propiedad de su hermano Shirou Miyazaki). Durante la pre-producción de la película, la madre de Miyazaki muere a la edad de 71 años en julio de 1983, y el filme se atrasa. Nausicaa se estrena finalmente en marzo de 1984, tras lo cual Hayao e Isao deciden independizarse, recontratando a todo el personal de Topcraft para formar su nuevo estudio.

Studio Ghibli se funda oficialmente en 1985 y hasta el dìa de hoy es una de las productoras de cine de animación mas prestigiosas.Miyazaki dirige y produce sus mejores largometrajes con studio Ghibli ,y nos deleita con su maravillosa estética ilustrativa y narrativa para suerte de todos…

Filmografìa


Conan,el niño del futuro.1978
“En el año 2008 estalló la temida tercera guerra mundial y las naciones beligerantes abusaron de las armas magnéticas cuyo poder era muy superior al de las armas atómicas. La Tierra se encontró cara a cara con una inesperada catástrofe y por lo tanto veinte años después…”.
Así comienza "Mirai Shonen Conan", conocida en castellano como Conan, el niño del futuro en su difusión en canales españoles autonómicos a principios de los noventa, es la primera serie de TV que Miyazaki dirigió, producida por la Nippon Animation, la cual es conocida por Alps no shojo Haiji (Heidi, la niña de los Alpes, 1974), Flandes no Inu (El Perro de Flandes, 1975), Haha o Tazunete Sanzenri (Marco, de los Apeninos a los Andes, 1976), Ai no Wakasuka Monogatari (Mujercitas).
La historia es sobre un niño, Conan, y una niña, Lana, y ocurre 20 años después de la Tercera Guerra Mundial. Nos encontramos en un ambiente post-apocalíptico, en el que Conan, un pequeño chico pescador que junto con su abuelo, son los únicos supervivientes en su “isla perdida”.
Su rutina matutina se ve interrumpida un día cuando Conan encuentra en la orilla de una playa a Lana. Ésta, una vez reestablecida del shock, les explica que no son los únicos supervivientes en la Tierra. Lana esta siendo perseguida por la gente de Industria, ya que ella es la única que puede encontrar a su abuelo, el Dr. Lao, quien tiene la llave de la Energía Solar
En breve aterrizan en la isla unos agentes buscando a Lana. Tras una lucha y posterior secuestro de Lana, el abuelo de Conan fallece. Conan, siguiendo los últimos deseos de su abuelo, decide ir tras la búsqueda de Lana. Después de un viaje no carente de altibajos, llega a una isla donde conocerá a Jimsy, un chico portador de vestimentas tribales. Acaban haciéndose amigos inseparables de aventura. Su aventura no será otra que la de rescatar a Lana, de Isla Industria y su organización.
Se encuentran bastantes elementos de Miyazaki en esta serie. Una niña y un niño, adultos que los ayudan, escenas de batallas aéreas, la recuperación de la naturaleza después de la destrucción de la Tercera Guerra Mundial, villanos que se vuelven buenos, etc.
Inspirada en la novela "The Incredible Tide" (La marea increíble) de Alexander Key publicada en 1970 por Westminster Press (Philadelphia), fue producida en 1978 por Nippon Animation Co., Ltd. y dirigida por los maestros del anime Hayao Miyazaki, ganador del Oso de Oro del festival de Berlín y el Oscar de Hollywood a la mejor película de animación por ‘El viaje de chihiro’ e Isao Takahata
Hayao Miyazaki se encargó de la dirección de nueve episodios, el diseño de personajes y los diseños mecánicos. Su compañero Takahata dirigió dos más, el resto serían obra de Keiji Hayakawa. Y entre los animadores se encuentran Yoshifumi Kondo (Mimi wo Sumaseba) y Yoshiaki Kawajiri (Ninja Scroll, Vampire Hunter, Bloodlust, Demon City, Wicked City).

El castillo de Cagliostro.1979
La acción transcurre en el ficticio ducado de Cagliostro, un país pequeño que parece ser una conglomeración de varias regiones de Europa. El ducado es una tierra de montañas y de lagos, con una ciudad con un castillo y un acueducto romano aún en uso. El protector del ducado es la policía, que también tiene cualidades militares, y un grupo de asesinos llamados "sombras".

Al comienzo de la película Lupin y Jigen huyen después de robar el casino nacional de Mónaco, para luego descubrir que el dinero es falso. Los billetes son de una calidad muy alta y podían ser unas legendarias falsificaciones perfectas que han hecho estremecer las economías de naciones desde la invención del papel moneda.

Justo Cuando Lupin comenzaba su carrera como ladrón profesional, casi lo asesinan mientras buscaba el origen de las falsificaciones. Decide que es hora de retomar la búsqueda en el ducado de Cagliostro.

Nada más llegar, se topará con una misteriosa jovencita vestida de novia, que huye desesperadamente en coche de un grupo de hombres que la persiguen. Sin dudarlo Lupin correrá a ayudarla, sólo para dejar que la capturen otra vez cuando Lupin queda inconsciente al ser golpeado y caer por un acantilado. Descubren más adelante que ella es Clarice hija del gran duque fallecido y está prometida para ser casada con por un poderoso conde. La excentricidad, las persecuciones y la intriga siguen.

Lupin, encuentra una vieja conocida Fujiko, con la que tiene una relación de amor-odio, que se presenta como una empleada en el Castillo, y el espadachín Goemon es llamado para ayudar a la pandilla en su ataque final al castillo, el Inspector Zenigata de la Interpol se encuentra en el bando de Lupin y compañía con la orden de aclarar las cosas.


Nausicaä del Valle del Viento.1984
El Valle del Viento se ve amenazado cuando otro estado, Pejite, desentierra un embrión de Dios Guerrero (kyoshinhei) que es luego robado por otro estado, Torumekia. Los Dioses Guerreros fueron las armas con base biomecánica más potentes de la gran guerra. Pejite y Torumekia desean usarlo para atacar al otro, y finalmente, para destruir la Jungla tóxica. Mientras se llevaba hasta su reino en un gran avión, la nave de Torumekia es atacada por insectos, y va a estrellarse en el Valle. Al día siguiente, otras naves de Torumekia invaden el Valle para proteger y revivir al Dios Guerrero, obligando al final a la gente pacífica del Valle a presentar resistencia armada. La situación empeora cuando la lucha por poseer dicha arma se recrudece, y la Jungla tóxica se ve involucrada en el asunto por obra de Pejite.

La historia profundiza mucho más de la simple apariencia de la guerra, hay temas profundamente ecológicos introducidos por Miyazaki: incluso los insectos parecen estar trabajando por una secreta armonía y el letal bosque de hongos parece tener un papel vital en el nuevo ecosistema de la Tierra.

Sherlock Holmes (serie)1984-1985
Es la última serie de televisión en que trabajó Miyazaki. Éste dirigió 6 episodios (y escribió los guiones de algunos de ellos), pero en 1982 la serie fue congelada por problemas de copyright con los herederos de Arthur Conan Doyle. En 1984, tras la resolución del problema legal, Tokyo Movie Shinsha decidió hacer más episodios y transmitirlos por televisión como estaba pensado inicialmente, aunque con un equipo distinto al de los primeros 6 episodios.

Dos de los episodios, La aventura del Carbunclo Azul y Tesoro bajo el mar fueron mostrados en los cines junto a Nausicaä en 1984, con la advertencia "Esta película no tiene nada que ver con el Sherlock Holmes de Conan Doyle".Estos episodios suelen considerarse como una película en sí misma. En ella, los nombres de Moriarty y la señora Hudson pasaron a Moroach y Ellison por problemas con los derechos. Además, en esta producción también se cambiaron el ending y el opening.

Laputa, el castillo en el cielo.1986
El nombre de la pelìcula esta inspiradoen ¨Los viajes de Gulliver¨ de Jonathan Swift donde el protagonista visita la isla flotante de Laputa y se maravilla de su tecnología y con la imposibilidad de sus habitantes para usarla de modo practico.

Sheeta es una joven huérfana a quien su madre, antes de morir, dejó un colgante con una misteriosa piedra, que parece tener unos espectaculares poderes. Un día es secuestrada por unos agentes del gobierno al mando de un hombre llamado Muska. La fortaleza volante en la que se la llevan prisionera es más tarde atacada por una banda de piratas. Sheeta aprovecha la confusión para golpear a Muska con una botella y tratar de escapar, pero termina cayendo al vacío. Sorprendentemente, la piedra que lleva colgada del cuello emite en ese momento una especie de poderosa energía que frena su caída y la hace llegar al suelo sana y salva, con la suavidad de una pluma.

Pazu, un muchacho también huérfano que trabaja de ayudante en una mina, observa sorprendido cómo Sheeta desciende lentamente desde el cielo. La recoge al vuelo y la lleva a su casa. Al recobrar el conocimiento, Sheeta le cuenta su historia a Pazu, y entre ambos muy pronto surge una profunda amistad.

Pero la banda de Dora no tarda en descubrirles, y Pazu y Sheeta se ven obligados a emprender una huida desesperada. Poco después es el coronel Muska, en colaboración con el ejército, el que se une a la persecución. Aunque sus motivaciones son distintas (en el caso de Dora es la pura codicia; en el de Muska, un desmedido afán de poder a cualquier precio), todos ellos buscan lo mismo: conseguir como sea el colgante de Sheeta. Más aún cuando dicho colgante vuelve a entrar en acción, lo que da a Pazu la ocasión de comprobar por sí mismo su increíble poder.

A partir de aquí los dos jóvenes, perseguidos sin tregua por Muska (que no sólo busca el colgante, sino que también necesita a la propia Sheeta, ya que es la única que sabe cómo hacerlo funcionar) vivirán una serie de trepidantes aventuras que les llevarán hasta la majestuosa isla flotante de Laputa, el último vestigio de una antigua y poderosa civilización ya desaparecida.(dreamers.com)

Mi vecino Totoro.1988
es un retrato de la vida rural japonesa en los años cincuenta. Un profesor universitario se muda junto a sus dos hijas a una casa cerca de un bosque mientras su mujer se recupera de tuberculosis en un sanatorio rural. Sus hijas descubren la existencia de los "conejillos de polvo", de este modo aprenden que hay seres que no todos pueden ver, como los espíritus del bosque, solamente aquellos de corazón puro. Mei, de cuatro años de edad, resulta fascinada al encontrar dos pequeños espíritus y se determina a encontrar al rey del bosque, Totoro.

Nicky, la aprendiz de bruja.1989
Por tradición de las brujas al cumplir los 13 años deben abandonar la casa de los padres y buscar una ciudad donde sus servicios sean requeridos, y quedarse allí durante algún tiempo. De esta manera, Kiki comenzará el camino que la llevará a convertirse definitivamente en bruja. Este viaje lo realiza junto a su amigo Jiji, un gato negro que se encargará de la mayoría de los gags, y montada en su escoba voladora. Su viaje iniciático la llevará a instalarse en una ciudad marítima donde comenzará a conocer el mundo y a conocerse a sí misma.

Porco Rosso.1992
Romántica historia sobre un piloto de hidroavión, italiano, as de la Primera Guerra Mundial, que vive como cazarrecompensas independiente contra otros mercenarios "Piratas del Aire" en el Mar Adriático. Víctima de una maldición indeterminada que ha convertido sus facciones en las de un cerdo. Es un descreído solitario que subsiste al margen de ideologías y de la gente. Un lobo solitario, que mantiene una vieja amiga secretamente enamorada de él, se ve inmerso en un un duelo con un piloto estadounidense fanfarrón que despierta parte de su vieja gloria y le hace redescubrir parte de sus sentimientos.

Nota:

Fue originalmente planeada como una película para mostrar en vuelo para las Japan Airlines, basada en el manga de Miyazaki The Age of the flying Boat (La Era de las Hidrocanoas), pero la producción fue ensombrecida por la guerra en Yugoslavia que acabó dándole a la película un tono más serio.


La princesa Mononoke.1997
Ambientada en el Japón medieval, se centra en la lucha entre los guardianes sobrenaturales de un bosque y los humanos que necesitan sus recursos, visto por el forastero Ashitaka.

El viaje de chihiro.2001
Una niña (Chihiro) y sus padres, se mudan de ciudad, buscando la nueva casa se pierden en el camino terminando en un mundo místico, los padres de Chihiro son atrapados en un hechizo por la bruja que gobierna ese mundo, la niña tendrá que ayudar a sus padres y convencer a la bruja para que los deje regresar a su propio mundo

Es realmente difícil encontrar una película de animación actual dirigida al publico infantil en las que no veas personajes planos, estancados en el cliché sin más profundidad de la que se ve a simple vista, lo que nos tiene acostumbrados Dysney/Pixar con sus cintas de animación digital en las que reencauchan una y otra vez los mismos personajes en diferentes encarnaciones con tramas realmente básicas y moralismos trillados...
Tengan especial atención a los clientes de los baños: el “dios apestoso” y el “sin cara”.
Una fabula actual que nos acerca a lo que realmente somos como sociedad, una niña en un “país” extranjero que tiene que trabajar para ayudar a sus padres, enfrentando sus miedos y deseos de abandonar tal empresa...www.quintadimension.com

El castillo ambulante.2004
La historia parte del encantamiento que convierte a una joven —Sophie— en anciana. Partirá de casa en busca de algún remedio —o tal vez sólo por huir— y en su escapatoria se encontrará metida en la casa del gran mago Howl (Hauru en la versión japonesa, Howl en la inglesa... y "howl" significa "lamento"). Sophie cree ver en esto la oportunidad de acabar con el encantamiento que la apresa, pero parece que no es tanto Sophie la que recibirá de Howl, sino Howl quien agradecerá haber conocido a Sophie.

No deja de ser muy curiosa la alternancia que a partir de un momento dado de la película sufre Sophie entre la juventud y la vejez. Parece como si a lo largo de la película recorriese un camino intermitente, en el que su entrega le rejuveneciese. Sin embargo, es Howl el que experimenta en su interior una decadencia y necesitará ser —al final no sólo simbólicamente, sino tangiblemente— librado del encantamiento que pesa sobre él. Y sólo Sophie puede hacerlo.

Ponyo en el acantilado.2008
5mentarios

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Andrei Tarkovski

Rusia (1932 - 1986). Director y guionista ruso nacido el 4 de Abril de 1932 en Laovrazhe, Ivanova, y fallecido el 29 de Diciembre de 1986 en Paris. Distinguido director cuyos filmes austeramente poéticos y profundamente personales, lo han convertido en uno de los artistas más preciosos de su generación. Su primer largometraje, LA INFANCIA DE IVÁN (1962), logró el León de Oro del Festival de Cine de Venecia. Poseedor de un lirismo y de un sentido de la belleza admirables, su trabajo es una reflexión sobre la realidad a través de un estilo casi impresionista. Continuó su éxito con la película épica y alegórica ANDREI RUBLEV (1966), que como la mayoría de su trabajo es de un movimiento lento, como una pintura sobre una tela con texturas suntuosas y con un rico clímax emocional. Sus películas posteriores, tienen que ver en general con otro mundo, como en el caso de SOLARIS (1972), STALKER (1979) y EL SACRIFICIO (1986), filmada en Suecia con parte de los miembros del equipo de Ingmar Bergman, incluyendo al actor Erland Josephson. EL ESPEJO (1976), es un poema visual y auditivo intensamente personal, que recuerda su juventud ...


como artista en la Unión Soviética durante la Segunda Guerra Mundial. EL SACRIFICIO (1986) ganó un Premio del Jurado Especial del Festival de Cannes. Interesado en ir más allá del lenguaje cinematográfico —tal y como hiciera Serguéi Eisenstein a comienzos del siglo siglo XX—, Tarkovsky exploró nuevas formas de narrativa cinematográfica, que influyeron en la nueva generación de cineastas, y desarrolló una interesante teoría cinematográfica, a la que llamó «Esculpir en el tiempo». Él mismo destacaba una característica del cine: la capacidad de fijar el tiempo. A partir de esta idea, el cineasta debe esculpir un bloque de tiempo para dejar al descubierto la imagen cinematográfica. Después de El espejo, Tarkovsky anunció que se dedicaría completamente a seguir las premisas dramáticas del filósofo Aristóteles: concentrar totalmente una historia en un solo lugar bajo un día soleado en algún momento del tiempo. Sacrificio (en el cual se filmó una escena de 10 minutos de duración, algo completamente inédito en la historia del cine mundial) es considerada por muchos como el perfecto reflejo de la legendaria teoría cinematográfica de Andrei Tarkovsky. Los archivos documentales de Tarkovsky —que incluye guiones, fotografías, artículos escritos por él mismo, entre otras cosas— se conservan en la actualidad en la Fundación Andrei Tarkovsky, dirigida por Andrei Tarkovsky, hijo del director, y que tiene sus sedes en Moscú, Florencia y París.
Filmografìa:

El violín y la apisonadora (1960)
Título original: Katok i skripka.
Producción: Mosfilm (Unidad de cine infantil), 1960.
Guión: Andrei Mikhalkov-Konchalovski, Andrei Tarkovski.
Fotografía: Vadim Yusov (Sovcolor).
Montaje: L. Butuzova.
Ayudante de dirección: O. Gerts.
Director artístico: S. Agoyan.
Efectos especiales: B. Pluynikov, V. Sevostianov, A. Rudashenko.
Música: Sviacheslav Ovtchinnikov.
Dirección musical: E. Khatchaturian.
Vestuario: A. Martinson.
Maquillaje: A. Makasheva.
Sonido: V. Krachovski.
Duración: 55 min.
Intérpretes: Ígor Fomchenko (Sasha), V. Zamanski (Serguéi), Nina Arkhangelskaia (niña), Marina Adjoubey (madre), Youra Brussev, Slava Borisov, Sasha Vitoslavski, Sasha Ilin, Kolia Kozarev, Gena Klyachkovski, Ígor Kolovikov, Genia Fedhenko, Tania Prokhorova, A. Maksinova, L. Semionova, G. Jdanova, M. Figner.
Premios:
Premio de Licenciatura en el VGIK (1960).
Primer Premio en el New York Student’s Film Competition (1961).


La infancia de Iván (1961)
Título original: Ivanovo Destvo.
Producción: Mosfilm.
Guión: Mikjaíl Papava y Vladímir Osípovich Bogomolov, sobre la novela Iván, de éste último; con la colaboración de E. Smirnov.
Fotografía: Vadim Yusov, b/n. Montaje: G. Natanson.
Director artístico: Yevgueni Tcherniaiev.
Efectos especiales: V. Sevostyanov, S. Mukhin.
Música: Sviacheslav Ovtchinnikov.
Dirección musical: E. Khatchaturian.
Sonido: E. Zelentsova.
Maquillaje: L. Baskakova.
Asesor militar: G. Goncharov.
Duración: 95 mins.
Intérpretes: Kolia Burlaiev (Iván), Valentín Zubkov (capitán Kholin), Yevgueni Zharikov (teniente Galtsev), Stephán Krylov (cabo Katasonov), Nikolái Grinko (coronel Griaznov), L. Malgavina (Masha), Irma Tarkovskaia (la madre de Iván), Dmitri Milgutenko (el viejo con el gallo), Andrei Mikhalkov-Konchalovski (el soldado con gafas), Iván Savkin, V. Marenkov, Vera Miturich.
Premios:
Venecia: León de Oro (ex aequo con Crónica familiar, de Valerio Zurlini) (1962).
San Francisco: Golden Gate Prize al mejor Director (1962).
Acapulco: Primer Premio y Diploma por "Dirección poética contra la guerra" (1962).
Palenque: Cabeza de Oro (1963).
Varsovia: Premio del Club de Críticos de Cine Polacos a la mejor película (1963).
Lublin: Premio Czarcia-Zapa a la mejor película extranjera (1963).
Nueva York: Premio D. Selznick, Laurel de Plata (Premio de la Crítica Americana) por "la podereosa contribución de la película a la paz" (1963).
Delhi: Premio en el Festival Nacional (1963).


Andrei Rublev (1966)
Título original: Strasti po Andreju.
Produccion: Mosfilm.
Año de producción: 1964-1966.
Guión: Andrei Mikhalkov-Konchalovski, Andrei Tarkovski.
Fotografía: Vadim Yussov. Cinemascope, blanco y negro, Sovcolor.
Montaje: Ludmila Feganova.
Ayudante de dirección: Yevgueni Tcherniaev.
Música: Sviatcheslav Ovtchinnikov.
Sonido: E. Zelentsova.
Decorados: Yevgueni Tchriaev.
Primera proyección: 1966.
Segunda proyección: 1969.
Estreno en la Unión Soviética: 1971.
Distribución en Europa: 1973.
Duración original: 200 minutos.
Duración aprobada por el director: 186 minutos.
Intérpretes: Anatoli Solonitsyn (Andrei Rublev), Iván Lapikov (Kyril), Nikolái Grinko (Daniil el Negro), Nikolái Sergueiev (Teófanes el Griego), Irma Raush Tarkovskaia (la sordomuda), Nikolái Burliaev (Boriska, el fundidor de la camapana), Rolan Bykov (bufón), Yuri Nikulin (Patrikei), Mijaíl Konorov (Fomka), Yuri Nazarov (Gran Príncipe y hermano menor del Príncipe), K. Krylov (maestro fundidor), Bolot Elchelanev (Khan mogol), Sos Sarkissian (Cristo), N. Grabbe, B. Beijenaliev, B. Matisik, A. Oboukhov, Volodia Titov.
Premios
Cannes: Premio de la Crítica Internacional —FIPRESCI— (1969).
París: Premio de la Asociación de Críticos de Cine (1969).
París: Estrella de Cristal de la Academia Francesa a la mejor actriz (1972).
Helsinki: Premio a la Mejor película del Año (1973).
Stradford: Diploma en el Festival Internacional (1973).
Premio Filtro (1973). Belgrado: Gran Premio (1973).
Belgrado: Premio a la mejor película (Sindicato de Trabajadores del Cine) (1973).
Belgrado: Segundo Premio del Jurado de la Audiencia (1973).


Solaris (1972)
Producción: Mosfilm.
Guión: Andrei Tarkovski, Friedrich Gorenstein, basado en la novela Solaris, de Stanislav Lem.
Dirección de fotografía: Vadim Yussov (Cinemascope, Sovcolor).
Montaje: Ludmila Feganova.
Ayudante de dirección: Mijaíl Romadin.
Dirección artística: Mijáil Romadin.
Música: Eduard Artemiev; J. S. Bach (Preludio Coral en Fa Menor).
Duración original: 168 min.
Estreno: 1972.
Intérpretes: Natalia Bondarchuk (Hari), Donatas Banionis (Chris Kelvin), Yuri Yarvet (Snaut), Anatoli Solonitsyn (Sartorius), Vladislav Dvorjetzski (Burton), Nikolái Grinko (padre de Chris), Sos Sarkissian (Gibarian).
Premios
Londres: Premio a la mejor película del año (1972).
Cannes: Gran Premio Especial del Jurado; Premio Ecuménico (1972).
San Francisco: Mejor Película; Premio del Jurado Interfilm (1972).
Panamá: Premio a la mejor interpretación femenina (Natalia Bondarchuk) (1973).
Carlovy Vary: Premio de la Asociación Internacional de Cine Clubs (1973).
Stradford: Diploma de Honor (1973).


El espejo (1974)
Título original: Zerkalo.
Producción: Mosfilm.
Ayudantes de dirección: Larissa Tarkovskaia, V. Karchenko, M. Chugunova.
Guión: Andrei Tarkovski, Alexandr Misharin.
Dirección de fotografía: Gueorgi Rerberg, color (Sovcolor) y blanco y negro (documentales).
Ayudantes de fotografía: A. Nikolaev, I. Shtanko. Montaje: Ludmila Feiginova.
Director artístico: Nikolái Dvigubski.
Decorados: A. Merkukov.
Efectos especiales: Y. Potapov. Música: Eduard Artemiev, J. S. Bach, G. B. Pergolesi, H. Purcell.
Vestuario: N. Fomina.
Maquillaje: V. Rudina.
Sonido: Semión Litvinov.
Ayudantes de sonido: Larissa Tarkovskaia, V. Karchenko, M. Chugunova. Poemas de Arseni Tarkovski, recitados por Andrei Tarkovski.
Estreno en la URSS: 1974. Duración: 106 min.
Intérpretes: Margarita Terékhova (Natalia y madre de Alexéi), Philip Yankovski (Alexéi, con 5 años), Ignat Daniltsev (Alexéi, con 12 años), Oleg Yankovski (padre), Nikolái Grinko (trabajador en la imprenta), Alla Demidova (Lisa), Yuri Nazarov (instructor militar), Anatoli Solonitsyn (médico extraviado), Innokenti Smoktounovski (voz de Alejandro, el narrador), L. Tarkovskaia (mujer del médico), Tamara Ogorodnikova (mujer desconocida), Y. Sventikov (Asafiev), Tatiana Rechetnikova (Milochka), Ernesto del Bosque (Ernesto), A. Gutiérrez, D. García, T. Pames, Teresa del Bosque, Tamara del Bosque.
Premios:
San Vicente (Italia): Premio Italnoleggio de los Distribuidores (1979).
Milán: Premio Ubu (1980).
Taormina: Premio David-Donatello/ Luchino Visconti (1980).


Stalker (1979)
Producción: Mosfilm.
Guión: Andrei Tarkovski, Arkadi y Borís Strugatski, a partir del relato de éstos Picnic a la vera del camino (1973).
Dirección de fotografía: Alexandr Kniazhinski (Sovcolor).
Música: Eduard Artemiev, Ravel (Bolero) y Beethoven (Novena sinfonía). Poemas de Fiódor Tiútchev y de Arseni Alexándrovich Tarkovski.
Montaje: Ludmila Feganova.
Dirección artística: A. Merkúlov.
Vestuario: N. Fómina. Duración: 161 min.
Intérpretes: Alexandr Kaidanovski (Stalker), Anatoli Solonotsyn (el escritor), Nikolái Grinko (el científico), Alisa Freindlich (mujer del Stalker), Natasha Abramova (hija del Stalker).
Premios:
Cannes: Premio Especial del Jurado, Interfilm y Premio OCIC (1980).
Avoriaz (Francia): Premio Fipresci el en el Festival de Cine Fantástico (1981).


Tempo di viaggio (1983), documental
Producción: RAI.
Guión: Andrei Tarkovski, Tonino Guerra.
Fotografía: Luciano Tovoli.
Segunda unidad: Giancarlo Pancaldi.
Edición: Franco Letti.
Ayudante de montaje: Carlo d’Alessandro.
Sonido: Eugenio Rondani.
Jefe de producción: Franco Terrili.
Año de producción: 1983.
Distribución internacional: SACIS..
Estreno: 29.05.1983 (RETE 2 TV RAI).


Nostalghia (1983)
Producción: Opera Film (Roma) para la Rete 2 TV RAI y Sovin Film (Moscú).
Dirección de producción: Renzo Rossellini, Manolo Bolognini, Francesco Casati, Lorenzo Ostuni.
Guión: Andrei Tarkovski, Tonino Guerra.
Ayudantes de dirección: Larissa Tarkovskaia, Norman Mozzato.
Dirección de fotografía: Giuseppe Lanci (Eastman).
Cámara: Giuseppe de Biassi.
Edición: Erminia Marani, Amadeo Salfa, Roberto Puglisi.
Director artístico: Andrea Crisanti.
Decoración: Mauro Passi
Música: Beethoven, Debussy, Verdi, Wagner.
Asesor musical: Gino Peguri.
Vestuario: Lina Nerli Taviani y de Annamode 69.
Maquillaje: Giulio Mastrantonio.
Grabación de sonido: Remo Ugolinelli.
Mezcla: Danilo Moroni.
Micrófonos: Filippo Ottoni, Ivana Fidele.
Efectos especiales: Massimo y Luciano Anzellotti.
Doblaje: Denis Pekarev. Version italiana: Cesare Noia.
Duración: 126 min.
Intérpretes: Oleg Jankovski (Andrei Gorchakov), Erland Josephson (Domenico), Domiziana Giordano (Eugenia), Patrizia Terreno (mujer de Gorchakov), Laura de Marchi (mujer con toalla), Delia Boccardo (mujer de Domenico), Milena Vukotic (empleada), Alberto Canepa (sacristán de la iglesia), Raffaele di Mario, Rate Furlan, Livio Galassi, Piero Vida y Elena Magoia.
Premios:
Cannes: Premio Internacional de la Prensa, y el Gran Premio a la Creación Cinematográfica (ex aequo con "L'Argent", de Robert Bresson), 1983.


Sacrificio (1986)
Título original: Offret.
Producción: Instituto Cinematográfico Sueco (Estocolmo) y Argos Film (París), asociados con Film Four International (Londres), Josephson & Nykvist, Sveriges Television / Svt 2, Sandrew Film & Theatre, y la participación del Ministerio de Cultura francés.
Dirección de producción: Anna-Lena Wibom.
Producción: Katinka Farago.
Ayudante de producción: Goran Lindberg.
Casting: Priscilla John, Claire Denis, Françoise Menidrey.
Ayudante de dirección: Kerstin Eriksdotter, Michal Leszczlylowsky.
Guión: Andrei Tarkovski.
Fotografía: Sven Nykvist, color (Eastman), blanco y negro.
Cámaras: Lasse Karlsson, Dan Myhrman.
Edición: Andrei Tarkovski, Michal Leszczylowsky.
Ayudante de edición: Henri Colpi.
Decorados: Anna Asp.
Efectos especiales: Svenska Stuntgruppem, Lars Högland, Lars Palmqvist.
Música: J. S. Bach (La pasión según san Mateo), Watazumido-shuso y cantos de pastores de Calecarlie y Harjedal.
Vestuario: Inger Pehrsson.
Maquillaje: Kjell Bustavsson, Florence Fouquier.
Control y registro de sonido: Owe Svenson, Bosse Persson, Lars Ulander, Christian Lohman, Wikee Peterson-Berger.
Intérprete: Layla Alexander.
Asesor técnico: Kaj Larsen.
Estreno: 1986.
Duración: 149 min.
Intérpretes: Erland Josephson (Alexandr), Susan Fleetwood (Adelaide), Valérie Mairesse (Julia), Allan Edwall (Otto), Gudrun Gísladóttir (María), Sven Wollter (Víctor), Filippa Franzén (Marta), Tommy Kjellqvist (Pequeño hombre), Per Kallman y Tommy Nordahl (conductores de la ambulancia).
Premios
Cannes: Premio Especial del Jurado, Gran Premio Internacional de la Crítica (FIPRESCI) y Precio del Jurado Ecuménico (1986).
Suecia: Premio Escarabajo de Oro a la Mejor Película del Año (1986).
Valladolid: Espiga de Oro (ex aequo), junto un premio especial a Sven Nykvist por la mejor fotografía, XXXI Semana de Cine de Valladollid (1986).

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