La Màquina de Soñar: Films en la màquina

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Moby Dick

“Llámenme Ismael.
Hace unos años, cuando apenas tenía dinero, pensé en embarcarme para surcar los océanos del mundo.
Cuando estoy triste o malhumorado, cuando tengo ganas de pisotearles los sombreros a los paseantes, cuando parece que es noviembre en mi interior, sé que es hora de volver al mar. Toma cualquier camino, y una vez de cada diez te llevará al mar. El agua posee una magia que aleja a los hombres de la tierra, los guía sobre las colinas, por los arroyos y los ríos hasta el mar. El mar es como un espejo en el que los hombres se encuentran a sí mismos.
Así fue como llegué a la ciudad de New Bedford, un sábado tormentoso de finales de 1841”.

Moby Dick (Herman Melville)
Año: 1956
Director: John Huston
Reparto: Gregory Peck, Orson Welles, Richard Basehart, Leo Genn, James Robertson Justice, Harry Andrews, Friedrich Ledebur, Bernard Miles, Edric Connor
IMDB: 7.4

Efter repetitionen

Después del ensayo

Director: Ingmar Bergman
Año: 1984
Reparto: Erland Josephson, Ingrid Thulin, Lena Olin, Nadja Palmstjerna-Weiss y Bertil Guve
IMDB: 7.2

Después del ensayo de una obra de Strindlberg, un director de teatro que ya se está haciendo mayor se sumerge en sus recuerdos. Es interrumpido por la entrada de dos mujeres: Anna, una joven actriz, apasionada y dispuesta a sacrificarlo todo por su arte y Rakel, neurótica y alcohólica, que ha sido amante de Henrik. Los tres evocarán sus vidas sentimentales. (FILMAFFINITY)

Terriblemente feliz

Terriblemente feliz (Frygtelig Lykkeli), del danés Henrik Ruben Genz, es el retrato de una comunidad ante la llegada de un nuevo policía, quien en la medida en que intenta resolver conflictos, hacer bien su trabajo, respetando la ley escrita, es menos aceptado por la comunidad. Sólo se integra cuando decide acatar ciertas normas no escritas. Esta película es una disección estimulante de un microcosmos, pero su mayor virtud fílmica reside en su modestia. Parece pecar de falta de pretensiones, pero bajo esa sencillez subsiste el retrato ambicioso de un universo que es mejor no habitar, un lugar oscuro del que nada escapa al exterior. (Rafael Arias)

Director: Henrik Ruben Genz.
Género: Drama.
Reparto: Jakob Cedergren, Kim Bodnia, Lars Brygmann, Lene Maria Christensen.

O Melissokomos (1986)

"-Eres afortunado. Escucha.
- ¿No suena como una canción? ¿Qué es esto?
-Son las vírgenes. A las que les gustaría ser reinas y golpean las puertas de su
prisión de cera. Intentan romperla, pero las otras, las guardianas, se sientan y rellenan los huecos.
-¿Por qué no las dejan salir?
-Porque sólo dejan salir a la que escogen como Reina. Las otras se preservan para el caso de que a la primera le ocurra algo. En un momento, los zánganos irán hacia el agua. Se están agrupando, ¿puedes verlos?
-¿Qué están haciendo?
-Están esperando a la reina. Ella vendrá, y volverá a elevarse en el aire con los zánganos, danzando, y escogerá uno.
-¿Es éste el baile de la reina?
-Éste es el baile de la reina".

Dirigida por
Theodoros Angelopoulos

Créditos del guión
Theodoros Angelopoulos guionista
Tonino Guerra co-guionista
Dimitris Nollas guionista

Reparto (en orden por créditos)
Marcello Mastroianni
Nadia Mourouzi
Serge Reggiani
Jenny Roussea
Dinos Iliopoulos

Música original por Eleni Karaindrou

Fotografía por Giorgos Arvanitis

Montaje por Takis Yannopoulos

Diseño de Producción por Mikes Karapiperis

Dirección Artística por Mikes Karapiperis

Decoración del Escenario por Giorgos Ziakas

Pat Garrett & Billy the Kid (1973)

Director: Sam Peckinpah.
Música: Bob Dylan.
Duración: 106’.
James Coburn, Kris Kristofferson, Richard Jaeckel, Katy Jurado, Jason Robards, Bob Dylan.

"Violencia y cámara lenta al puro estilo de Peckinpah" (Javier Ocaña: Cinemanía)

“El montaje, por poner un ejemplo de algo que siempre ha destacado en su cine, sigue siendo poderoso en términos de expresividad aunque haya perdido en espectacularidad, pero en este film, al contrario que en los más característicos de su obra, ya no es violento sino que se traslada al terreno de lo épico, no sirve para enfatizar el acto sino para enfatizar a los personajes, el poder de los mitos juega a favor del cineasta, que sabe que congelar un primer plano de Billy, supone congelar un trozo de historia de los Estados Unidos.

La ralentización de las muertes, el tratamiento naturalista de los duelos, unidos a la excepcional música de Dylan, hacen que esta película supere en intensidad a cualquier otra rodada por Peckinpah, de ahí que la duración de los planos esté medida en función de no sólo el significado concreto y directo, sino un poco más allá, de lo que van a significar para el personaje que las ha realizado. Es la visualización de las palabras de Will Munny, «Cuando matas a un hombre, le quitas todo lo que tiene y todo lo que podía haber tenido», pero en este caso, también le has quitado todo lo que ha compartido contigo”. (Carlos Rosal: Miradas de Cine número 41.)

Todos los seres humanos tenemos momentos de grandeza y de miseria. En función de lo que nos va llegando tomamos una actitud diferente, pero siempre necesitamos a los demás para vivir. Ésta es una comedia trágica sobre el hombre en estado puro, sus comportamientos en sociedad, sus pensamientos, sus preocupaciones, y sus deseos de amar y ser amado. Una galería de personajes recurrentes desfila por situaciones cotidianas, a veces surrealistas, para mostrarnos su particular filosofía ante la vida.

Año 2007
DURACIÓN 93 min.
PAÍS [Suecia]
DIRECTOR Roy Andersson
GUIÓN Roy Andersson
MÚSICA Benny Andersson
FOTOGRAFÍA Gustav Danielsson
REPARTO Jessika Lundberg, Elisabeth Helander, Björn Englund, Leif Larsson
PRODUCTORA Coproducción Suecia-Alemania-Francia-Dinamarca-Noruega

"La comedia de la vida", una película completamente alejada de los cánones habituales de narración, sin planteamiento, nudo ni desenlace, sin protagonistas ni personajes secundarios y con un único movimiento de cámara a lo largo de su hora y media de metraje, ha conseguido numerosos galardones y menciones importantes. Fue la candidata sueca para luchar por el Oscar a la mejor película extranjera y, además de participar en Cannes, recibió el Premio especial del jurado en Sevilla y una nominación al mejor director en los Premios del Cine Europeo. Ese director no es otro que Roy Andersson, famoso en su país por construir un lenguaje cinematográfico que se aleja de la norma. No en vano, Andersson ha acuñado el término "trivialismo" para referirse a su gusto por ir de las situaciones más cotidianas a los problemas existenciales de todo ser humano. En la elección del elenco de "La comedia de la vida", el realizador sueco no se limitó a actores profesionales, sino que recorrió las calles y los lugares habituales de reunión social para buscar nuevas caras que encajaran, sin más, con los personajes que quería mostrar.

Sostiene Pereira

Sostiene Pereira, 1996 (IMDB 7.4)
Director: Roberto Faenza
Marcello Mastroianni, Joaquim de Almeida, Daniel Auteuil, Stefano Dionisi
Música: Ennio Morricone

Man hunt

Man hunt, 1941 (IMDB 7.7) Director: Fritz Lang.
Reparto: Walter Pidgeon, Joan Bennett, George Sanders, John Carradine, Roddy McDowall
Música: Alfred Newman

El Amigo Americano (Wim Wenders, 1977)

AÑO: 1977
DURACIÓN :121 min
PAÍS:Alemania
DIRECTOR :Wim Wenders
GUIÓN: Wim Wenders (Novela: Patricia Highsmith)
MÚSICA :Jürgen Knieper
FOTOGRAFÍA :Robby Müller
REPARTO :Dennis Hopper, Bruno Ganz, Lisa Kreuzer, Gérard Blain, Andreas Dedecke, David Blue, Stefan Lennert, Rudolf Schündler, Heinz Joachim Klein, Rosemarie Heinikel, Nicholas Ray, Samuel Fuller, Lou Castel, Daniel Schimd, Sandy Whitelaw

Basada en la novela de la escritora estadounidense Patricia Highsmith, El amigo americano cuenta la historia de Jonathan Zimmermann (Bruno Ganz), un humilde fabricante de marcos de la ciudad de Hamburgo ...

...y Tom Ripley un exquisito personaje perfectamente interpretado por Dennis Hopper.
A Ripley le encargan liquidar al capo de una mafia francesa; para no levantar sospechas, o por una pequeña venganza(escucha casualmente a Zimmermann decir que solo tiene dinero y un pésimo gusto), comienza a seducir al marquista, quien padece leucemia y poco tiempo de vida , de que acepte el encargo.
Pensando dejar algo de dinero a su esposa y su hija ,Zimmermann accede, y se encarga de un par de trabajos; asì ,entre asesinatos , el contraste entre los personajes impecablemente interpretados , y los cuestionamientos morales del marquista que quizá se descubra verdaderamente a sì mismo, transcurre esta película del genial alemán Wim Wenders.

The asphalt jungle

The asphalt jungle, 1950 (IMDB 7.9)
Dirección: John Huston
Sterling Hayden, Louis Calhern, Jean Hagen, James Whitmore, Sam Jaffe, John McIntire, Marilyn Monroe

Doc Riedenschneider: That copper, he recognized me.
Cobby: How'd you know he was a copper?
Doc Riedenschneider: I can smell one a block off.
Cobby: Oh, don't worry about Ditrich. He's on my payroll. Practically a partner. Me and him, we're like that.
[Cobby holds up his index and middle finger]
Doc Riedenschneider: Experience has taught me never to trust a policeman. Just when you think one's all right, he turns legit.

Ulysse's gaze (La mirada de Ulises)

Theo Angelopoulos

Atraco perfecto (The killing), S. Kubrick, 1956

Lionel White (1905-1985) fue un escritor estadounidense de novela negra que debe en buena medida su fama a la adaptación cinematográfica de Clean Break (1955) que hizo Stanley Kubrick como The Killing, 1965 (Atraco perfecto). Cabe señalar que en el guión de la película participó, además de Kubrick, Jim Thompson.

En este caso se trata de la preparación y posterior ejecución de un "golpe" al hipódromo de Long Island, Nueva York...

en el que se consigue un botín de dos millones de dólares durante la celebración de la carrera más importante de la temporada.

El protagonista es Johnny Clay. Durante cuatro años de reclusión en la cárcel ha preparado minuciosamente el golpe. Para llevarlo a cabo necesita colaboradores no profesionales. De esta forma espera evitar el error habitual en este tipo de asuntos: los ladrones "siempre riñen con los otros ladrones".

Todos ellos tienen serios problemas económicos (pérdidas en la bolsa o en apuestas, deudas a prestamistas exigentes, una esposa exigente) y esperan comenzar una nueva vida con el fruto del delito.

El análisis psicológico de estos personajes y de sus diferentes motivos es uno de los grandes aciertos de Clean Break. Desde el punto de vista de cada uno de ellos vamos conociendo los preparativos y el desarrollo del atraco. Todo parece infalible, pero existe un punto débil.

En conjunto, una obra clásica de la literatura negra. Ágil narración sin digresiones y una estructura perfectamente engrasada.

fuente: elemental, querido blog

Blue Velvet (terciopelo azul)1986

Año: 1986.
Duración: 120 minutos.
Director: David Lynch.
Guion: David Lynch.
Productor: Fred C.Caruso.
Musica: Angelo Badalamenti.
Fotografía: Frederick Elmes.
Montador: Duwayne Dunham.
Reparto: Isabella Rossellini, Kyle MacLachlan, Dennis Hopper, Laura Dern, Hope Lange, Dean Stockwell, George Dickerson, Priscilla Pointer, Frances Bay, Jack Harvey, Ken Stovitz.

Un pequeño pueblo que se nos muestra perfecto, donde los bomberos saludan sonrientes ,los vecinos riegan los hermosos jardines bajo un cielo celeste y las radios derrochan apacibles melodías.La paz y la felicidad no parecen abandonar nunca a las personas Lumbertown ...

Asì, David Lynch ,nos muestra al comienzo de la película el idílico american dream ,al parecer de los `50-`60 ; pero ese mundo comienza a desmoronarse cuando un joven debe volver al pueblo movido por el infarto de su padre.Caminando por un valdìo el joven Jeffrey Beaumont encuentra una oreja humana ,y (por suerte para nosotros)decide investigar què ha pasado.
Conoce entonces a la rubia hija del policía que Jeffrey consulta sobre el macabro (casi auditivo) hallazgo,y èsta se suma a la investigación .A partir de aquí comienzan a ser testigos de el subsuelo de Lumbertown , de la violencia , el sexo y la locura de los personajes;poco apoco nos adentramos en una verdadera ciudad del pecado,con policías corruptos, traficantes , secuestros y demás…

Jaws (Tiburón)

Hubiéramos preferido titularla "Bocadillos de tiburón", pero las mofas de nuestros amigos no tendrían fin. Igualmente, optamos por seguir viviendo a 80 kilómetros del mar y -en caso de bañarnos en él- no pasar los 50 centímetros de profundidad: ríase la gente y esté uno a salvo de tres filas dobles de bisturíes.

Una explotación, a la manera de Hitchcock, de los miedos primordiales de la humanidad, con algunas reminiscencias de El diablo sobre ruedas (1971) -una película anterior del propio Spielberg- y ciertos ecos de la forma en que manejó Nixon el caso Watergate y del drama de Ibsen Un enemigo del pueblo, Tiburón fue el film que consagró a Spielberg como el hombre que transformaba en oro todo lo que tocaba, además de convertirse en el primer superéxito que generó toda una pequeña industria de subproductos y secuelas.

El proyecto, basado en una novela de éxito, se le ofreció a Spielberg al poco de haber estrenado Loca evasión (The Sugarland Express, 1974), su primer largometraje para la pantalla grande. Según su concepción, la película debía ser «un experimento sobre el terror» y «un grandioso episodio de caza marina, aderezado con unas gotas de Moby Dick» y, con estas ideas en mente, se puso a trabajar sobre diversos borradores del guión con el escritor Howard Sackler, el cineasta John Milius y el comediógrafo Cari Gottlieb, antes de ponerse a considerar las diferentes opciones para el reparto.

En relación con éste, sustituyó a Sterling Hayden por Robert Shaw para el papel de Quint, insistió en preferir a Roy Scheider frente a Charlton Heston, el candidato del estudio para el papel de Jefe de policía, y eligió a Richard Dreyfuss (que terminaría por convertirse en una especie de alter ego del director) para hacer el papel del ictiólogo, tras descartar la posibilidad de concedérselo a Timothy Bottoms o a Jeff Bridges.

Sin embargo, el verdadero problema fue conseguir que el tiburón mecánico -al que se conocía por el nombre de «Bruce» (realice el lector la analogía con Finding Nemo)- resultara creíble. Las dificultades en este terreno fueron las causantes de que los cincuenta y dos días previstos para el rodaje se convirtieran en ciento cincuenta y cinco y de que fuera necesario doblar el presupuesto asignado a la producción. Con todo, los resultados fueron extraordinarios, y el film no tardó en convertirse en la película más rentable de la historia, hacerse con sendos Oscar por su montaje, sonido y la machacona vibración de la banda sonora creada por John Williams, además de ser objeto de algunos elogios extravagantes, como aquel con el que le obsequió Pauline Kael, cuando señaló que «hay partes de Tiburón que nos permiten hacernos una idea de lo que podría haber llegado a hacer Eisenstein de no haberse dejado llevar por su intelectualismo». Spielberg, cuya obra sería pasada por alto por la Academia, no tuvo nada que ver con las secuelas que, con calidad siempre decreciente, se irían sucediendo a partir de entonces.

EEUU, 1975
DIRECTOR: Steven Spielberg; GUIÓN: Peter Benchley y Cari Gottlieb (basado en la novela de Peter Benchley, con colaboraciones, no recogidas en los títulos de crédito, de Howard Sackler y John Milius);
PRODUCCIÓN: Universal (Richard D. Zanucky David Brown); FOTOGRAFÍA: Bill Butler; MONTAJE: Verna Fields; DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Joseph Alves junior; MÚSICA: John Williams; INTÉRPRETES: Roy Scheider (Jefe Martin Brody); Robert Shaw (Capitán Quint); Richard Dreyfuss (Matt Hopper); Lorraine Gary (Ellen Brody); Murray Hamilton (Comandante Larry Vaughn); Cari Gottlieb (Meadows); DURACIÓN: 124 minutos.

Los conspiradores del placer

Los conspiradores del placer

Spiklenci slasti

Dirección: Jan Svankmajer

Guión: Jan Svankmajer

Reparto: Petr Meissel, Gabriela Wilhelmová, Barbora Hrzánová, Anna Wetlinská, Jirí Lábus, Pavel Nový

Nacionalidad: República Checa-Suiza-Reino Unido

Idioma original: Checo

Año: 1996

Duración: 75

Sinopsis: El surrealista checo Jan Svankmajer lleva a cabo una crítica delirante de la incomunicación y de la soledad en la que vivimos, prácticamente sin diálogos, dejando hablar a los gestos, a los objetos, a las acciones extrañas de sus extraños personajes.
Seis historias que se entrecruzan con seis personajes que tratan de huir de la soledad y el aburrimiento por medio de extravagantes fetichismos. Influenciado por todos los malditos -Sade, Sacher Masoch, Max Ernst, Borowczyk, Hans Bellmer, Duchamp-. Tras la extravagancia y la parafilia se esconde un grito a favor de la libertad, del placer y de la vida. Una película inclasificable, escatológica y bizarra hasta el extremo.

SIDDHARTHA (Conrad Rooks)

SIDDHARTHA

Dirección: Conrad Rooks.
País: USA.
Año: 1972
Duración: 85 min.
Género: Drama.
Interpretación: Shashi Kapoor (Siddhartha), Simi Garewall (Kamala), Romesh Sharma (Govinda), Pincho Kapoor (Kamaswami), Zul Vellani (Vasudeva), Amrik Singh (padre de Siddhartha), Shanti Hiranand (madre de Siddhartha), Kunal Kapoor (hijo de Siddhartha).
Guión: Conrad Rooks; basado en la novela "Siddhartha" de Hermann Hesse.
Producción: Conrad Rooks.
Música: Hemant Kumar.
Fotografía: Sven Nykvist.
Montaje: Willy Kemplen.
Dirección artística: Malcolm Golding.
Vestuario: Bhanu.

SINOPSIS

Ambientada en la India tradicional, la película cuenta la bella y sencilla historia del joven Siddhartha (Shashi Kapoor) y su búsqueda del significado de la vida. Esta búsqueda le lleva a períodos de duro ascetismo, a los placeres sensuales, a la abundancia material e incluso a la repulsión de su propia identidad. "Siddhartha" nos enseña que el secreto de la vida no puede ser transmitido de una persona a otra, debe ser alcanzado a través de experiencias interiores.

Chappaqua (Conrad Rooks)

Una clínica de desintoxicación francesa espera la visita de Russel Harwick. Entre recuerdos del pasado (con su infancia en Chappaqua, un pueblo cerca de Nueva York), escenas del proceso de curación y paranoias varias se desenvuelve la desestructurada narración que cuenta con un enfermizo montaje visual y sonoro que hacen de esta película una interesante rareza que se hizo con el León de Plata en el Festival de Venecia de 1966.

Imagen

Chappaqua (1966)
Título alternativo: Chappaqua
Director: Conrad Rooks
Duración: 81 min.
País: USA
Reparto: Starring Jean-Louis Barrault, Conrad Rooks, William S. Burroughs, Allen Ginsberg, Ravi Shankar, Swami Satchidananda, Moondog, Ornette Coleman / Music by Ravi Shankar and Philip Glass

La infancia de Ivàn (Andrei Tarkovsky)

LA INFANCIA DE IVÁN (1962)
Dirección: Andrei Tarkovsky.
Intérpretes: Nikolai Burlyayev, Valentin Zubkov, Yevgeni Zharikov, Stepan Krylov.

Iván (Nikolai Burlaiev), chico huérfano de doce años, realiza durante la Segunda Guerra Mundial misiones de reconocimiento para el ejército soviético.
Sus superiores, el capitán Kholin (Valentin Zubkov), el coronel Gryaznov (Nikolai Grinko) y el joven teniente Galtsev (Yevgueni Zharikov) quieren alejarlo de la lucha, pero se topan con la insistencia y tozudez del pequeño.
Ópera prima de Andrei Tarkovsky, poética y conmovedora, primera piedra del excepcional monumento cinematográfico que supone la filmografía del genio ruso. Se alzó con el León de Oro en el Festival de Venecia.

Si alguien desea iniciarse en la obra de Tarkovsky debe comenzar por el visionado de la cinta que nos ocupa, su película más asequible en comparación con la complejidad místico-filosófica de sus trabajos posteriores. Esa aparente sencillez no impide sin embargo que nos encontremos ante un bello, y por momentos mágico, relato antibélico.
Andrei aceptó dirigir este filme, inicialmente planificado para otro director, y la reducción del presupuesto del mismo a cambio de poder empezar desde cero. Aunque no aparece acreditado, introdujo junto con Andrei Konchalovski importantes alteraciones en el guión, que adaptaba un cuento de Vladimir Osipovich Bogomolov.
En la película destaca la hermosa concepción de las secuencias oníricas, cuatro en total, que muestran la extraordinaria capacidad de su autor para captar el esplendor vital de la naturaleza.
El agua, elemento que en Tarkovsky hace alusión a la parte espiritual del ser humano, es protagonista en todas. Estas luminosas y embriagadoras secuencias contrastan con el horror y los claroscuros de la realidad bélica, donde el mundo femenino de los sueños (en ellos aparecen la madre y la hermana de Iván) da paso a otro eminentemente masculino y desalentador.
Ingmar Bergman dijo en una ocasión que Tarkovsky era el director más importante porque había creado un lenguaje nuevo que se correspondía con la esencia del cine, ya que presentaba la vida como reflexión, la vida como un sueño.
El hecho de que el filme se inicie y finalice con un sueño nos hace reflexionar sobre cuál es la verdadera realidad de nuestra existencia. Esta superposición entre realidad y sueño será una constante en el resto de su obra.
En el ámbito interpretativo destaca la naturalidad con la que Nikolai Burlaiev da vida al personaje de Iván. Unos años más tarde el director volvería a contar con él en Andrei Rublev para interpretar a Boriska, el fundidor de la campana.
Tras el éxito internacional, a nivel crítico, de “La infancia de Iván” Tarkovsky se embarcó en la escritura del guión de una de las películas más importantes de la historia. “Andrei Rublev” consolidó su enorme talento como cineasta y supuso el inicio de sus problemas con las autoridades soviéticas.

El Espejo (Andrei Tarkovsky)

El Espejo (Zerkalo) (1975) de Andrei Tarkovsky

EL ESPEJO (1975)
Dirección: Andrei Tarkovsky.
Intérpretes: Margarita Terekhova, Ignat Daniltsev, Larisa Tarkovskaya, Alla Demidova.

Alexei (la voz de Innokenti Smoktunovski) evoca recuerdos de su infancia que contrastan con un presente marcado por las continuas discusiones que mantiene con su ex mujer (Margarita Terekhova) y su madre, así como por una difícil relación con su hijo Ignat (Ignat Daniltsev).
Cuando uno es adulto, las reminiscencias de su infancia se le suelen presentar en forma de brumosas y confusas apariciones, donde los hechos acaecidos se muestran como vagas remembranzas que en poco se diferencian de las ensoñaciones, y que sin embargo marcan el subconsciente de tal forma que aquellos gestos, olores o texturas que ya apenas intuimos nos acompañan para siempre. Si un cineasta podía plasmar todas estas emociones y sensaciones en la pantalla, ese era sin duda Andrei Tarkovsky...

“Zerkalo” (título original) o “El espejo” es un título de carácter autobiográfico en el que Tarkovsky, a partir de sus propias vivencias, intenta despertar en el espectador esos secretos íntimos que conforman nuestro ser y que raras veces sacamos a la luz.
En el prólogo de la película se nos muestra una especie de show televisivo en el que un joven tartamudo es curado por una mentalista. Se trata de toda una declaración de intenciones, en la que Tarkovsky pretende liberar al ser humano de sus taras y defectos para centrarse en su esencia. Es pues, un intento de desnudar su propia alma y por extensión la de aquellos que contemplan su obra.
El filme puede resultar confuso debido a la alternancia sin previo aviso del presente con las evocaciones del pasado y las secuencias oníricas. Contribuye a una mayor confusión el hecho de que la misma actriz interprete a la madre de Alexei en el pasado y a su ex mujer en el presente. Además el niño que interpreta a Alexei en su infancia es el mismo que hace de su hijo en el presente. El Alexei adulto siempre permanece fuera de campo, por lo tanto sólo escuchamos su voz y no es hasta el final y en su lecho de muerte cuando divisamos parte de su cuerpo. Todo ello se debe al escaso interés que Tarkovsky (coautor del guión junto a Alexander Misharin) muestra hacia la narración convencional, prevaleciendo sobre la misma el noqueante poder de sus hermosas imágenes.
El autor de “Nostalghia” vuelve a poner de manifiesto su extraordinaria agudeza a la hora de captar los sonidos y movimientos de la naturaleza. En su filmografía uno no sólo contempla el paisaje sino que lo siente y lo palpa, una característica que sólo encontramos a tales niveles en otro cineasta como es el caso de Terrence Malick.
A resaltar también la pasmosa fotografía de Gueorgi Rerberg en la que se suceden el color y un blanco y negro que tira hacia tonos sepias, los sonidos electrónicos que Eduard Artemiev mezcla con los de la propia naturaleza así como el exquisito gusto de Tarkovsky al escoger fragmentos de composiciones de Bach, Pergolesi y Purcell.
Antes de finalizar el comentario es preciso señalar que los versos que se recitan a lo largo de todo el filme son obra de Arseni Tarkovsky, padre del director y gran poeta ruso que fue reconocido tardíamente.
En conclusión, una obra de arte cinematográfico que no se puede contar con palabras sino que hay que verla y sentirla ¡imprescindible!
Ricardo Pérez
Fuente: www.alohacriticon.com

Solaris (Andrei Tarkovsky)

SOLARIS (1972)
Dirección: Andrei Tarkovski.
Intérpretes: Donatas Banionis, Natalya Bondarchuk, Juri Jarvet, Vladislav Dvorzhetsky.
El científico Kris Kelvin (Donatas Banionis) es enviado a una estación espacial que gira en torno al planeta Solaris, al que rodea una especie de océano que se cree pueda ser una especie de cerebro pensante. Todas las informaciones que llegan de la estación son extrañas y carecen de sentido, así que la misión de Kris es la de comprobar qué extraños sucesos ocurren en la misma. El personaje de Kris evolucionará de forma drástica a lo largo de la película, ya que si al principio se muestra como un tipo frío y extremadamente racional, al final acabará sucumbiendo a las pasiones y emociones que se desencadenan en la estación...

El guión de Solaris fue escrito conjuntamente por Andrei Tarkovsky y Friedich Gorenstein a partir de la novela homónima de ciencia-ficción de Stanislaw Lem. Siendo Tarkovsky está claro que no nos encontramos ante una cinta de ciencia-ficción al uso (de hecho Tarkovsky renegaba de dicho género) sino que se trata de una reflexión de carácter existencialista en la que se intenta penetrar en las oscuras profundidades del alma humana.
Solaris se estrenó en 1972, cuatro años después de la obra maestra de Kubrick 2001: una odisea del espacio, por lo que las comparaciones entre una y otra resultaron inevitables. Nos encontramos en cualquier caso ante dos filmes completamente distintos, ya que además de las diferencias de presupuesto (claro está en favor de 2001) existe otra, quizás la más importante. Y es que si en 2001 Kubrick buscaba las respuestas en el exterior, en el espacio, Tarkovsky por su parte prefiere realizar un ejercicio de introspección humanista. El espacio exterior carece de importancia en Solaris, de hecho las imágenes del mismo son escasas, al contrario del espectáculo coreográfico que Kubrick nos planteaba en su obra. Si en 2001 los diálogos eran escasos, en Solaris son abundantes y profundos y la insuperable espectacularidad formal del filme de Kubrick es inferior en contenido a la trascendentalidad mística y filosófica de la obra de Tarkovsky.
Solaris comienza con el Preludio Coral en Fa Menor de J. S. Bach, lo que nos indica que estamos ante un filme de evidentes interpretaciones religiosas (como casi toda la filmografía de su autor) y tras los créditos la acción se sitúa en la tierra.
Se trata de un extenso prólogo, ausente en la novela, que Tarkovsky incluyó para dejar claro desde el principio que su interés se centra ante todo en la relación que se establece entre nuestro planeta y el hombre, no entre el hombre y el resto del cosmos.
Una vez trasladado a la estación espacial, Kris comprobará que el océano pensante es capaz de reproducir los sueños y recuerdos de la mente humana. Algo que se produce cuando los tripulantes duermen, y que en el caso de nuestro protagonista dará lugar a la aparición de Hari (Natalia Bondarchuk) su mujer que se había suicidado unos años atrás. Pocos personajes en la historia del cine desprenden el patetismo de Hari, esa chica sensible y enamorada que para no dañar a su amado intenta destruirse una y otra vez, resucitando cada vez que lo hace.
En la película también aparecen otros dos destacados actores soviéticos y también tripulantes de la estación, Anatoli Solonitsin (actor favorito de Tarkovsky) y Yuri Yarvet, más conocido por su magistral interpretación en El rey Lear de Grigori Kozintsev (1970).
A Stanislaw Lem no le gustó demasiado la adaptación de Tarkovsky al considerarla en exceso mística (algo que tampoco agradó a las autoridades soviéticas) ya que atacaba la vanidad de la ciencia y reflexionaba acerca de la muerte, el amor o la inmortalidad. Si uno conoce las preocupaciones e inquietudes religiosas que invaden la filmografía del autor de Stalker no le costará encontrar ciertos paralelismos entre el océano de Solaris y una especie de Dios o demiurgo creador. Tampoco le extrañará la similitud (al menos conceptual) entre la estación espacial y el paraíso cristiano, donde se supone que uno se reencuentra con sus sueños y seres queridos. Además no deja de ser significativo que los “visitantes” aparezcan cuando llega el sueño, un sueño que cuando es demasiado profundo se asemeja a la muerte tal y como afirma Sancho Panza en un episodio del Quijote que lee uno de los protagonistas del filme.
Si tenemos que quedarnos con un instante de esta obra maestra, sin duda nos quedamos con ese en el que Kris y Hari, abrazados, flotan como consecuencia de la ingravidez de la estación mientras suena la anteriormente citada composición de Bach. Esa ingravidez de los personajes que también encontramos en otras obras de Tarkovsky nos muestra su extraordinaria poética visual.
En definitiva, 165 minutos de absoluta fascinación.
Ricardo Pére
Fuente: www.alohacriticon.com

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